История

Микеланджело

Микеланджело


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Микеланджело (1475-1564 гг. Н.э.) был итальянским художником, архитектором и поэтом, который считается одним из величайших и самых влиятельных деятелей эпохи Возрождения. Его самые знаменитые работы из захватывающего портфолио шедевров включают потолок Сикстинской капеллы в Риме и гигантскую мраморную статую Давида, которая находится в Галерее Академии Флоренции.

Почитаемый современниками как величайший из ныне живущих художников, Микеланджело оказал огромное влияние на художественные стили Высокого Возрождения, Маньеризма и Барокко. По сей день работы великого человека продолжают вызывать у любителей искусства во всем мире чувства, которые он явно намеревался вызвать во всем своем творчестве, независимо от среды: восхищение формой и движением, удивление и трепет.

Ранние годы

Микеланджело ди Лодовико Буонарроти родился в 1475 году нашей эры в Капрезе, небольшом городке недалеко от Флоренции, Италия. В отличие от многих других известных художников, Микеланджело родился в обеспеченной семье. Когда ему исполнилось 13 лет, его отправили учиться во Флоренцию у знаменитого художника-фрески Доменико Гирландайо (ок. 1449–1494 гг. Н. Э.). Молодой художник два года проучился у Гирландайо, но также посетил многие церкви города, изучая их произведения и делая зарисовки. Большой прорыв Микеланджело произошел, когда его работы были замечены Лоренцо де Медичи (1449–1492 гг. Н. Э.), Главой великой флорентийской семьи с таким именем и щедрым покровителем искусств. Именно во впечатляющем саду скульптур Лоренцо молодой художник смог воочию изучить работы великих скульпторов древности, особенно римские саркофаги, украшенные горельефом, и поучиться у художественного куратора сада и известного скульптора Бертольдо ди Джованни (ок. 1420 г.) -1491 н.э.). Позже Микеланджело создал мраморную гробницу Лоренцо Медичи в семейной церкви Медичи Сан-Лоренцо во Флоренции.

Микеланджело стремился создать мир прекраснее, чем он существовал на самом деле.

Влияние этих классических работ на Микеланджело очевидно в извивающихся фигурах одного из его первых великих шедевров - рельефной скульптуры, известной как Битва кентавров и лапифов который сейчас выставлен в Casa Buonarroti во Флоренции. Озабоченность художника античностью в первую половину его карьеры ярко выражена в его творчестве, а также в его многочисленных преднамеренных попытках выдать скульптуру за действительно древнюю. Например, в 1496 году н.э. он изваял Спящий Амур (теперь утеряна), которую он намеренно состарил, чтобы она выглядела как подлинная древняя работа, и которую он успешно продал кардиналу Раффаэле Риарио.

Микеланджело тогда уже сосредоточился на технике, известной как дизайн где художник сосредоточился, прежде всего, на попытке запечатлеть форму, мускулатуру и позы человеческого тела с помощью набросков на бумаге классических работ, которые затем были преобразованы в совершенно новую скульптуру или картину. Микеланджело также добавил к этому художественному наследию страсть к изображению своих фигур в драматических позах и делать это в монументальном масштабе, что, возможно, объясняет его собственное предпочтение скульптуре перед другими средствами массовой информации. Сочетание реалистичного исполнения, величия и динамизма стало отличительной чертой работ мастера во всех средствах массовой информации, поскольку он стремился создать мир более прекрасный, чем он существует на самом деле.

Люблю историю?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Великие работы Микеланджело говорили сами за себя, и те, кто не мог видеть их лично, могли восхищаться или изучать их на многочисленных гравюрах.

Ведущий художник эпохи Возрождения

В 1496 году н.э. Микеланджело переехал в Рим, что дало ему еще больше возможностей изучать образцы классического искусства и архитектуры. Именно в этот период он создал еще один шедевр, Пьета (см. ниже). Возвращение во Флоренцию c. В 1500 году н.э. художник был хорошо известен, и ему было поручено создать фигуру не меньше, чем собор Флоренции. Микеланджело подарили массивный блок высоко ценимого каррарского мрамора, с которым никто не знал, что с ним делать. Результатом стал еще один шедевр, вероятно, самая известная скульптура художника: Дэйвид (см. ниже). Затем последовал шедевр с использованием красок, демонстрирующий, что Микеланджело отнюдь не ограничивался скульптурой. Святое Семейство был написан в 1503 году нашей эры, и сейчас работа находится в галерее Уффици во Флоренции. Затем произошла интригующая встреча великих умов, когда Микеланджело и Леонардо да Винчи (1452-1519 гг. Н.э.) оба работали над фресками в Зале Совета Флоренции. Темой работы Микеланджело была битва при Кашине, но, как и работа Леонардо здесь, она осталась незавершенной. Можно только предполагать, чему каждый великий художник мог научиться у другого в это время.

Микеланджело вернулся в Рим, чтобы работать над могилой Папы Юлия II (годы правления 1503-1513 гг. Н. Э.), А затем ему было поручено, пожалуй, самое сложное его задание - расписать потолок Сикстинской капеллы Ватикана (см. Ниже). Несмотря на то, что они работали в основном в одиночку и очень часто в неудобном положении на эшафоте, потолок был завершен на удивление быстро. Завершенная к 1512 году н.э., работа, возможно, понравилась не всем в Церкви, но ее центральное видение Бога среди облаков, тянущихся, чтобы коснуться пальца Адама, стало одним из наиболее воспроизводимых изображений всех времен.

Микеланджело продолжал лепить и, что гораздо реже, рисовать до конца своей жизни. Он продолжал писать свои вызывающие восхищение сонеты, которые часто были посвящены поэтессе Виттории Колонна (1490-1547 гг. Н. Э.), Хотя многие из них были нацарапаны на оборотах эскизов и счетов. В этом примере Сонет 151 (ок. 1538-1544 гг. н. э.) художник сравнивает неспособность искусства предотвратить смерть с поиском настоящей любви:

Даже у лучших художников нет концепции

что один мраморный блок не содержит

в пределах своего избытка, и это достигается только

Боль, от которой я убегаю, и радость, на которую я надеюсь

Так же скрыты в тебе, милая леди,

возвышенный и божественный; но, к моему смертельному вреду,

мое искусство дает результаты, противоположные тому, что я желаю.

Поэтому любовь не может быть виновата в моей боли,

ни красота, ни твердость, ни презрение,

ни удача, ни моя судьба, ни случай,

если ты держишь в своем сердце и смерть, и милосердие

в то же время и мой смиренный ум хоть и пылает,

не может извлечь из этого ничего, кроме смерти.

(Паолетти, 404)

Было также много важных архитектурных проектов, таких как Лаврентьевская библиотека, Сан-Лоренцо, Флоренция (1525 г. н.э.) с читальным залом длиной 46 метров (150 футов), триумфальное сочетание эстетики и функциональности. Другие проекты включали новый облик Капитолийского холма в Риме (начатый в 1544 году н.э.), высокий купол базилики Святого Петра в Риме (с 1547 года н.э., но не завершенный до 1590 года н.э.), за которые Микеланджело отказался принимать зарплату, и Часовня Медичи во Флоренции. Соответственно, на протяжении 16 века н.э. часовня Медичи стала местом, которое часто посещали начинающие художники, которые приезжали, чтобы полюбоваться уникальным и дальновидным сочетанием архитектуры и скульптуры этого мастера искусств и поучиться у этого мастера. Микеланджело умер 18 февраля 1564 г. в Риме и был похоронен со значительными церемониями в базилике Санта-Кроче во Флоренции.

Репутация и наследие

Сам великий художник запечатлен на нескольких сохранившихся произведениях искусства. Ярким примером является бронзовый бюст его соотечественника Даниэле да Вольтерра (1509-1566 гг. Н.э.), созданный ок. 1564 г. н.э., в настоящее время проживает во Флоренции Барджелло. Скульптура реалистична и изображает бородатого Микеланджело с множеством морщин и слегка приплюснутым носом, который он носил с тех пор, как художник Пьетро Торриджано (1472-1528 гг. ).

Более подробное описание Микеланджело сохранилось в двух биографиях, написанных при жизни художника Джорджо Вазари (1511–1574 гг. Н. Э.) И Асканио Кондиви (1525–1574 гг. Н. Э.). Тосканский художник Вазари завершил Жизни выдающихся итальянских архитекторов, художников и скульпторов в 1550 г. н.э., но затем в 1568 г. н.э. была значительно переработана и расширена работа. История - это монументальная запись художников эпохи Возрождения, их работ и анекдотических историй, связанных с ними, поэтому Вазари считается одним из пионеров истории искусства. Между тем его коллега итальянский художник Кондиви был учеником Микеланджело в Риме и написал свою Жизнь Микеланджело в 1553 году н.э., работа, которой руководил сам великий мастер (что, возможно, объясняет ряд вымышленных или преувеличенных элементов).

Эти две биографии помогли создать репутацию Микеланджело как живой легенды, поскольку коллеги-художники признали его гений и вклад в возрождение искусства в эпоху Возрождения. Естественно, великие работы Микеланджело говорили сами за себя, и те, кто не мог видеть их лично, могли восхищаться или изучать их на многочисленных гравюрах, которые были распространены по всей Европе. Его слава также вышла за пределы Европы. Султан Османской империи Баязид II (годы правления 1481–1512 гг. Н. Э.) Услышал о способностях художника и безуспешно пригласил его к себе ко двору. Работы Микеланджело даже собирали, особенно во Франции. Короче говоря, Микеланджело считался не чем иным, как божеством - термин, который часто использовался для художника при его жизни - и обладателем потрясающей художественной силы, которую его современники называли ужасный. Свет, который великий человек пролил на западное искусство и архитектуру, продолжал светить еще долго после его смерти, и его работы оказали особенно влияние на развитие маньеризма и последующего стиля барокко.

Шедевры

Пьета

В Пьета мраморное изображение Девы Марии, оплакивающей тело Иисуса Христа, покоящееся у нее на коленях. Работа была завершена между 1497 и 1500 годами н.э. по заказу французского кардинала для его гробницы в часовне в Риме. Его высота составляет 1,74 метра (5 футов 8 дюймов), и сейчас он находится в базилике Святого Петра. Работа сочетает в себе все аспекты искусства скульптора: гиперреалистичное изображение человеческого тела, сложные складки драпировки, безмятежное и задумчивое лицо Марии, томный труп Иисуса и композицию, которая напоминает северные религиозные статуи, но предлагает то, чего раньше не было в итальянском искусстве. О том, что Микеланджело был очень доволен результатом, свидетельствует анекдот, в котором он впоследствии добавил свою подпись после того, как конкурирующий художник утверждал, что был его создателем.

Дэйвид

Как упоминалось выше, Микеланджело преподнес Флорентийскому собору мраморную скульптуру библейского царя Давида, который в юности убил неприятного гиганта Голиафа. Фигура намного больше, чем в натуральную величину - около 5,20 метра (17 футов) в высоту - и настолько велика, что ее нельзя было разместить на крыше собора, как задумано, а вместо этого она стояла на площади напротив. Микеланджело получил около 400 флоринов за работу, которую он начал в 1501 году нашей эры и завершил в 1504 году. Сейчас Давид стоит в Галерее Академии Флоренции, а его полноразмерная копия стоит на открытом воздухе во Палаццо делла Синьория.

Фигура теперь вся белая, но изначально имела три позолоченных элемента: опору для пня, пояс из листьев и гирлянду на голове. Единственная идентификация того, что это фигура Давида, - это повязка на левом плече фигуры. Кроме того, зрелость тела для того, что действительно должно быть молодым, вместе с наготой фигуры сильно напоминают колоссальные статуи античности, особенно Геракла. Не может быть случайным, что Геракл также фигурировал на официальной печати города Флоренции. Таким образом, здесь было послание в искусстве о том, что город считает себя равным, а может быть, даже лучшим, чем любой город в древности. Микеланджело явно вышел за рамки классической скульптуры и создал фигуру, которая ощутимо напряжена, эффект только подчеркивается нахмуренным бровью Давида и решительным взглядом.

Сикстинская капелла

Как уже отмечалось, Микеланджело было поручено расписать потолок Сикстинской капеллы, здания, которое было завершено только в 1480 году нашей эры. Потолок сильно потрескался в 1504 году н.э. и был отремонтирован. Таким образом, это была возможность дополнить и без того впечатляющее внутреннее убранство часовни. Микеланджело был далек от проекта, который занимал его с 1508 по 1512 год нашей эры - и с Папой часто возникали горячие ссоры, - но сегодня он считается одной из его фирменных работ. Фрески окрашены в очень яркие цвета, и, чтобы помочь зрителю, который должен стоять на несколько метров ниже, Микеланджело использовал технику контрастирования цветов рядом друг с другом.

Весь потолок занимает площадь 39 x 13,7 метра (128 x 45 футов). На отдельных панелях показан цикл эпизодов из Библии, повествующих о Сотворении мира до времен Ноя. Интересно, что творение Евы - это центральная панель, а не творение Адама, хотя это может быть просто потому, что сцены хронологические, начиная с алтарной стены. Есть также семь пророков, пять сивиллов и четыре игнуди которые не имеют ничего общего с религиозным повествованием, но показывают любовь Микеланджело к смелым фигурам в драматических позах.

Работа имела немедленный успех почти у всех, кто ее видел, но возникло некоторое недовольство. Основным возражением было количество обнаженной натуры и изображение гениталий несколькими фигурами. Кроме того, Страшный суд Часть часовни, которая была добавлена ​​к алтарю намного позже Микеланджело между 1536 и 1541 годами н.э., также не была хорошо принята некоторыми членами духовенства. Тот факт, что у Иисуса не было обычной бороды, и он выглядел немного моложе, чем обычно, вызывал особые разногласия. Понимание художником сути богословия или, возможно, его отсутствие интереса к нему, поскольку он был отмечен своим благочестием и появлением еще большего количества гениталий, привело к тому, что некоторые священнослужители зашли так далеко, что объявили произведение ересью. Были даже призывы его уничтожить. К счастью для потомков, была принята более умеренная стратегия прикрытия оскорбительных элементов обнаженной натуры. Задача ретуши фресок была возложена на Даниэле да Вольтерра, в результате чего этот художник получил довольно неудачное прозвище Il Braghettone или «производитель галифе».

Моисей

Как уже упоминалось, Микеланджело был заказан Юлием II в 1505 году н.э., чтобы спроектировать внушительную гробницу для лидера Римской церкви. Гробница, задуманная как грандиозный памятник, была окончательно завершена в 1547 году н.э. после того, как многие из запланированных экстравагантностей были оставлены. Один из выживших - сидящая статуя Моисея, созданная Микеланджело, на которой изображена библейская фигура, держащая свой посох и протягивающая впечатляюще длинную бороду, очевидно, чтобы продемонстрировать его благоговение перед Богом. Статуя должна была быть видна снизу, поэтому Микеланджело внес несколько оптических поправок. Фигура высотой 2,35 метра (7 футов 9 дюймов) была завершена примерно в 1520 году нашей эры и находится в церкви Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме.


Битва кентавров (Микеланджело)

Битва кентавров - это рельеф итальянского художника эпохи Возрождения Микеланджело, созданный около 1492 года. Это была последняя работа Микеланджело, созданная под покровительством Лоренцо Медичи, который умер вскоре после ее завершения. Мраморная скульптура, вдохновленная классическим рельефом Бертольдо ди Джованни, изображает мифическую битву между лапифами и кентаврами. Эта история, популярная в древнегреческом искусстве, была предложена Микеланджело ученым-классиком и поэтом Полициано. Скульптура выставлена ​​в Casa Buonarroti во Флоренции, Италия.

Битва кентавров
ХудожникМикеланджело
Годc. 1492
ТипМрамор
Габаритные размеры84,5 см × 90,5 см (33,3 × 35,6 дюйма)
Место нахожденияCasa Buonarroti

Битва кентавров была замечательной скульптурой во многих отношениях, предвещая будущее скульптурное направление Микеланджело. Микеланджело отошел от тогдашней практики работы в дискретной плоскости и стал работать в многомерном пространстве. Это также была первая скульптура Микеланджело, созданная без использования лукового сверла, и первая скульптура, которая достигла такого состояния завершения с отметками долота subbia, оставленными стоять в качестве окончательной поверхности. Независимо от того, намеренно оставлена ​​незавершенной или нет, по этой причине работа имеет важное значение в традиции скульптурной техники non finito. Микеланджело считал ее лучшей из своих ранних работ и визуальным напоминанием о том, почему ему следовало сосредоточить свои усилия на скульптуре.


Микеланджело - История

Дэйвид - одна из самых изысканных скульптур эпохи Возрождения, созданных в начале 1500-х годов. Это знаменитое произведение искусства было создано Микеланджело, известным итальянским художником. Статуя высотой 5,17 метра представляет собой мраморную фигуру библейского героя по имени Давид. Этот молодой человек также был наиболее распространенным персонажем искусства эпохи Возрождения, особенно во Флоренции.

Особенности

Скульптура изначально задумывалась как одна из статуй пророков, установленных на крыше восточной части Флоренции. Кроме того, он был размещен на общественной площади Палаццо делла Синьория, который был центром гражданского управления Флоренции. Из-за храбрости этого библейского героя, он в конечном итоге стал символом защиты гражданских свобод, изображенных во Флорентийской республике.

Произведение искусства сильно отличается от предыдущих статуй, созданных другими известными художниками, такими как Верроккьо и Донателло. Дэйвид Микеланджело изобразил молодого Давида до того, как он отправился в битву с могущественным Голиафом. Следовательно, лицо фигуры выглядело напряженным и готовым к бою, а не к победе из-за поражения его врага.

Функции

Работа Микеланджело - это его интерпретация типичной древнегреческой темы героического библейского персонажа. Он отличается позой контрапоста, которая является отличительной чертой античных скульптур. Храбрый Давид стоит напряженно, одна нога расслаблена, а другая удерживает весь вес своего тела. Следовательно, это заставляет его плечи и бедра располагаться под противоположным углом. Более того, голова Дэвида поворачивается влево, а за спиной он несет перевязь. При всем этом многие считают скульптуру символом юной красоты и человеческой силы.

Статуя также довольно большая по сравнению с современниками художников той эпохи. На самом деле, большинство искусствоведов считают статую чудесной, поскольку Микеланджело смог воскресить известную фигуру, которая уже была мертва. Хотя в истории было множество колоссальных статуй, Дэйвид Микеланджело остался одним из самых прекрасных и впечатляющих.

Также важно отметить, что некоторые детали этой статуи казались довольно большими, особенно руки и голова. Однако художник сделал это специально, поскольку статую предполагалось разместить на крыше собора. Таким образом, ему нужно было найти способ выделить определенные части, чтобы сделать их видимыми, если смотреть снизу.

Дополнительные детали

Эта фигура кажется довольно стройной спереди назад по сравнению с ее высотой. По мнению ученых, это может быть связано с работой, выполненной на блоке еще до того, как художник начал его вырезать. Кроме того, статуя считалась политическим имиджем до того, как он решил над ней работать.

Очевидно, Давид долгое время был излюбленным политическим имиджем Флоренции, поскольку несколько работ с изображением библейского героя были заказаны в большинстве значимых мест города.

Сохранение и сохранение

В 1991 году ступня статуи была сильно повреждена, когда сумасшедший разбил ее молотком. На основе образцов, собранных в ходе этого инцидента, ученые смогли обнаружить, что мрамор был получен из карьеров Фантискритти в Мизельи, которые находились в одной из небольших долин Каррары. В связи с деградацией мрамора статуя подверглась самой первой крупной очистке, с 2003 по 2004 год. Четыре года спустя были планы изолировать скульптуру от вибрации, вызванной шагами туристов & # 8217, чтобы предотвратить дальнейшее и более серьезные повреждения мрамора.

На протяжении многих лет было сделано несколько репродукций статуи. Например, гипсовый слепок этого библейского героя в настоящее время выставлен в Музее Виктории и Альберта. Однако у этой статуи есть гипсовый фиговый лист, который был создан, когда королева Виктория была шокирована наготой статуи. Гипсовый фиговый лист навешивается на фигуру с помощью двух крючков перед королевскими визитами.

В ХХ веке скульптура стала культовым термином для городской культуры. Статуя также часто воспроизводилась, например, из стекловолокна и гипса, имитирующего мрамор, что символизировало атмосферу изысканности и культуры в различных условиях, таких как модели железных дорог, игорные казино и пляжные курорты. Таким образом, произведение искусства действительно является лучшим в истории благодаря своим огромным размерам, интересным деталям и особенностям.


Наследие и влияние Микеланджело

Для потомков Микеланджело всегда оставался одним из небольшой группы самых возвышенных художников, которые, как Уильям Шекспир или Людвиг ван Бетховен, выражали трагический опыт человечества с величайшей глубиной и универсальным размахом.

В отличие от большой известности работ художника, их визуальное влияние на более позднее искусство относительно ограничено. Это не может быть объяснено колебаниями в подражании искусству просто потому, что оно выглядело настолько великим, поскольку такие художники, как Рафаэль, считались столь же великими, но в гораздо большей степени использовались в качестве источников. Возможно, вместо этого особый тип выражения, связанный с Микеланджело, почти космического величия, подавлял. Ограниченное влияние его работ включает несколько случаев почти полной зависимости, наиболее талантливым художником, который работал таким образом, был Даниэле да Вольтерра. В остальном Микеланджело рассматривался как образец для конкретных ограниченных аспектов его работы. В 17 веке он считался выдающимся специалистом в области анатомического рисунка, но менее ценился за более широкие элементы его искусства. В то время как маньеристы использовали пространственное сжатие, наблюдаемое в некоторых из его работ, а позже и змеиные позы его скульптуры. Победамастер XIX века Огюст Роден использовал эффект необработанных мраморных блоков. Некоторые мастера барокко 17-го века, возможно, наиболее полно отсылают к нему, но так, чтобы исключить какое-либо буквальное сходство. Помимо Джан Лоренцо Бернини, художник Питер Пауль Рубенс может лучше всего показать пригодность творений Микеланджело для более позднего великого художника.


Итальянская линия начала проектирование новых кораблей в 1958 году. Первоначально они должны были быть немного больше, чем SS. Леонардо да Винчи, который тогда строился, но реактивные самолеты еще не оказали заметного влияния на район Средиземного моря, и пара настоящих суперлайнеров казалась желательной как с коммерческой точки зрения, так и для обеспечения рабочих мест морякам и рабочим верфи. Было решено, что новые корабли будут самыми большими, построенными в Италии со времен СС. Рекс в 1932 г.

Было решено, что помещения на кораблях будут разделены на три класса. Почему-то также было решено, что на трех самых нижних пассажирских палубах не будет иллюминаторов. Утверждалось, что это сделало корабль обтекаемой формой корпуса, но это кажется маловероятным, поскольку корабли с аналогичным соотношением длины и ширины были построены с окнами по всему корпусу. Какими бы ни были недостатки в их первоначальном дизайне, новые сестры были продвинуты в технологическом плане. Самой яркой особенностью кораблей были воронки, спроектированные Туринским политехническим институтом, которые состояли из сложной решетчатой ​​системы трубопроводов (вместо традиционной ровной поверхности), позволяющей ветру проходить через воронку, и большого ребра дымоотвода наверху. . Несмотря на критику, конструкция воронки оказалась очень эффективной для защиты от дыма на задних палубах. Дымовые дефлекторы стали популярными в конструкции судов в 1970-х и 1980-х годах, тогда как идея позволить ветру проходить через воронку снова была подхвачена в конце 1980-х и стала почти нормой в современном судостроении.

В Микеланджело Интерьеры были разработаны военно-морскими архитекторами Нино Зонкада, Винченцо Монако и Амедео Лучиченти, которые придали кораблю менее авантюрный и более традиционный вид, чем дизайнеры ее сестры. Рафаэлло.

После нескольких задержек Микеланджелопод командованием старшего капитана Марио Крепаса был окончательно готов к эксплуатации в мае 1965 года. Во время ходовых испытаний были обнаружены некоторые колебания на корме корабля. Микеланджело был поставлен в сухой док в декабре 1965 года и получил новые гребные винты и некоторые модификации трансмиссии. Во время испытаний после ремонта он показал скорость 31,59 узла, что сделало его пятым по скорости пассажирским судном в мире на то время.

Во вторник утром 12 апреля 1966 года, через пять дней после отбытия из Генуи, Микеланджелопод командованием старшего капитана Джузеппе Солетти во время шторма в Средней Атлантике ударила необычно большая волна, в результате чего передняя часть ее надстройки рухнула или отодвинулась назад, и погибли пассажиры доктора Вернера Берндта из Гамбург, Германия и Джон Стейнбах из Чикаго. Один из членов экипажа, Дезидерио Феррари, скончался через несколько часов, более 50 человек получили ранения. Среди 1495 пассажиров на борту этого перехода были адмирал Эрнесто Джурати, президент итальянской линии и бывший начальник итальянского военно-морского флота, начальник протокола Италии Анджело Корриас, направлявшийся в отпуск в Штаты, немецкий писатель Гюнтер Грасс и его коллеги. жена Анна, а также Боб Монтана с женой и четырьмя детьми. При ремонте после аварии алюминиевую обшивку надстройки заменили стальной. Аналогичная реконструкция была проведена на Рафаэлло и другие современные корабли, такие как SS Соединенные Штаты и СС Франция. [1]

В мае 1972 года Альфред Хичкок совершил путешествие на этом корабле из Нью-Йорка на показ фильма. Безумие на Каннском кинофестивале.

В последующие годы количество пассажиров в трансатлантической торговле неуклонно снижалось из-за конкуренции с воздуха, и все больше и больше судов было отозвано. В Микеланджело проводила больше времени, путешествуя по более теплым водам, но из-за своих кают без окон и трехклассной планировки она оказалась плохим круизным лайнером. У нее были большие палубы для плавания, которые превосходили даже большинство специально построенных круизных лайнеров того времени, но этого было недостаточно, чтобы компенсировать недостатки корабля, а у итальянской линии не было достаточно средств, чтобы перестроить корабль, чтобы сделать его более пригодным для использования. крейсер. Кроме того, по тем временам он считался слишком большим для круизного лайнера.

Флагман СС Италии Микеланджело совершил свой последний переход через Атлантику в июле 1975 года под командованием старшего капитана Клаудио Косулича. Впоследствии она была заложена в Специи вместе со своей сестрой. Несколько покупателей (включая Кнута Клостера из Norwegian Cruise Line) проинспектировали суда, но не захотели покупать их из-за затрат, необходимых для их модернизации до стандартов круизных судов. Был один серьезный покупатель, Home Lines, который хотел купить корабли и держать их под итальянским флагом для круизов по Карибскому морю. «Итальянская линия» отказалась продать сестер, как сообщается, потому, что они считали, что сохранение итальянского флага могло бы связать с ними «смущающих неудачников».

В 1976 году был найден покупатель, согласившийся с условиями, которые добивалась "Итальянская линия". Шах Ирана купил корабли для использования в качестве плавучих казарм. Корабли, которые стоили 45 миллионов долларов каждый, теперь продавались по цене 2 миллиона долларов за корабль. В Микеланджело оказалась в Бендер-Аббасе, где ей предстояло провести следующие пятнадцать лет.

В 1978 году планировалось переоборудовать его как роскошный круизный лайнер. Scià Reza il Grande (в честь Реза-шаха). Тем не менее, группа экспертов, посланная из Италии для осмотра корабля, пришла к выводу, что оно слишком сильно повреждено, чтобы его восстановление было жизнеспособным вариантом. Подобные планы были сделаны снова в 1983 году, но они тоже не оправдались.

Наконец, в июне 1991 года она была списана на судоремонтной верфи в Гадани, Пакистан. [2]


Микеланджело - Биография и наследие

Микеланджело родился у Леонардо ди Буонаррота и Франчески ди Нери дель Миниато ди Сиена, банкиров из среднего класса в небольшой деревне Капрезе, недалеко от Ареццо, в Тоскане. Прискорбная и продолжительная болезнь его матери вынудила отца отдать сына на попечение няни. Муж няни был каменотесом, работал в мраморном карьере своего отца.

Когда Микеланджело было шесть лет, его мать умерла, но он продолжал жить с этой парой, и легенда гласит, что эта нетрадиционная ситуация из детства заложила основу для его более поздней любви к мрамору.

К 13 годам отцу стало ясно, что Микеланджело не имел склонности к семейному призванию. Мальчика отправили в ученики в известную мастерскую Доменико Гирландайо. Проведя в студии всего год, Лоренцо Медичи из известной флорентийской семьи меценатов попросил у Гирландайо двух своих лучших учеников. Микеланджело вместе с Франческо Граначчи были выбраны для посещения Гуманистической академии семьи Медичи. Это было процветающее время во Флоренции эпохи Возрождения, когда художников поощряли изучать гуманитарные науки, акцентируя свои творческие усилия на знании древнегреческого и римского искусства и философии. Искусство отходило от готической иконографии и религиозной работы и превращалось в грандиозное празднование человека и его значения в мире. Микеланджело учился у знаменитого скульптора Бертольдо ди Джованни, получив доступ к великим классическим скульптурам во дворце Лоренцо.

За это время Микеланджело получил разрешение католической церкви Санто-Спирито изучать трупы в их больнице, чтобы получить представление об анатомии. Взамен он вырезал им деревянный крест. Его способность точно передать реалистичный мышечный тонус тела стала результатом этого раннего образования, о чем свидетельствуют две скульптуры, сохранившиеся с того времени. Мадонна, сидящая на ступеньке (1491) а также Битва кентавров (1492).

Раннее обучение и работа

После смерти Лоренцо ди Медичи в 1492 году Микеланджело оставался в относительной безопасности во Флоренции. Но когда флорентийский город был втянут в политическую суматоху, семья Медичи была изгнана, и художник переехал в Болонью. Именно в Болонье он получил заказ на завершение резьбы гробницы Святого Доминика, которая включала добавление статуи Святого Петрония, коленопреклоненного ангела с подсвечником и Святого Прокула.

Микеланджело вернулся во Флоренцию в 1494 году, когда угроза французского вторжения уменьшилась. Он работал над двумя статуями, Святой Иоанн Креститель, и маленький амур. В Амур был продан кардиналу Риарио из Сан-Джорджио и выдавался за античную скульптуру. Кардинал был раздражен тем, что его обманули, но был достаточно впечатлен мастерством Микеланджело, чтобы пригласить его в Рим для выполнения еще одного поручения. Для этой комиссии Микеланджело создал статую Вакха, которая была отвергнута кардиналом, который счел политически неблагоразумным ассоциироваться с языческой обнаженной фигурой. Michelangelo was indignant - so much so that he later asked his biographer Condivi to deny the commission was from the Cardinal and instead to record it as a commission from his banker, Jacopo Galli. The artist's impetuous nature was already garnering him the reputation of being one who indignantly did what he wanted, oftentimes eschewing his patron's wishes or failing to complete work once started.

Michelangelo remained in Rome after completing the Вакх, and in 1497 the French Ambassador, Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas commissioned his Pietà for the chapel of the King of France in St Peter 's Basilica. В Pietà was to become one of Michelangelo's most famous carvings, which the 16th-century biographer Giorgio Vasari, described as something "nature is scarcely able to create in the flesh." His acuity with emotional expression and lifelike realism in the piece, garnered the artist much awe and attention.

Although his status as one of the period's most talented artists following the completion of the Pietà was secure, Michelangelo didn't receive any major commissions over the next two years. Financially, however this absence of work wasn't of much concern. Wealth didn't seem to affect the artist's lifestyle. As he would say to Condivi towards the end of his life, "However rich I may have been, I have always lived like a poor man."

In 1497, the puritanical monk Girolamo Savonarola became famous for his Bonfire of the Vanities, an event in which he and his supporters burned art and books in Florence, causing a cease to what had been a thriving period of the Renaissance. Michelangelo would have to wait until Savonarola's ousting in 1498 before returning to his beloved Florence.

In 1501, his most notable achievement was born through a commission from the Guild of Wool to complete an unfinished project begun by Agostino di Duccio some 40 years earlier. This project, finally completed in 1504, was a majestic, 17-foot tall nude statue of the biblical hero David. The work was a testament to the artist's unparalleled excellence at carving breathtakingly precise depictions of real life out of inanimate marble.

Several painting commissions followed after David's completion. In particular, Michelangelo's only known finished painting that has survived, Doni Tondo (The Holy Family) (1504).

During this time of the High Renaissance in Florence, rivalries between Michelangelo and his artist peers abounded, each fighting for prime commissions and revered social status as noted masters of their fields.

Leonardo da Vinci had quickly risen to fame and the competition between he and Michelangelo was legendary. In 1503, Piero Soderini, the lifetime Gonfalonier of Justice (senior civil servant akin to a Mayor), commissioned them both to paint two opposing walls of the Salone dei Cinquecento in the Palazzo Vecchio. Both paintings were never finished and are unfortunately lost. Леонардо The Battle of Anghiari was painted over when Vasari later reconstructed the Palazzo. Michelangelo's work on The Battle of Cascina was interrupted in the preparatory drawing stage when Pope Julius II summoned him to Rome. Michelangelo was seduced by the flamboyant reputation of the patron Pope who was luring other artist peers such as Donato Bramante and Raphael to create exciting new projects. Never one to be bested by his rivals, he accepted the invitation.

Mature Period

In Rome, Michelangelo started work on the Pope's tomb, work that was to be completed within a five-year timeline. Yet, the artist would abandon the project after being cajoled by the Pope for another commission. The project was the painting of the Sistine Chapel's ceiling and rumor has it that Bramante, the architect in charge of rebuilding St. Peter's Basilica, was the one to convince the Pope that Michelangelo was the man for the job. Bramante was notoriously consumed by envy, and knowing that Michelangelo was better known for his sculptures rather than paintings, was certain that his rival would fail. He hoped this would cause the artist to fall out of popular favor. Michelangelo reluctantly accepted the commission.

Michelangelo would work on the Sistine Chapel for the next four years. It was a difficult job of extraordinary endurance, especially since the tempestuous artist had sacked all of his assistants save one who helped him mix paint. What resulted was a monumental work of great genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World and Noah and the Flood. Contrary to Bramante's hopes, it became (and remains) one of the greatest masterpieces of Western Art.

Another noted rival was the young 26-year-old Raphael who had burst upon the scene and was chosen in 1508 to paint a fresco in Pope Julius II's private library, a commission vied for by both Michelangelo and Leonardo. When Leonardo's health began to fail, Raphael became Michelangelo's greatest artistic adversary. Because of Raphael's acuity with depicting anatomy and his finesse for painting nudes, Michelangelo would often accuse him of copying his own work. Although influenced by Michelangelo, Raphael resented Michelangelo's animosity toward him. He responded by painting the artist with his traditional sulking face in the guise of Heraclitus in his famous fresco The School of Athens (1509-1511).

Following Pope Julius II's death in 1513 Michelangelo was commissioned by the new Pope Leo X to work on the façade of the Basilica San Lorenzo, the largest church in Florence. He spent the next three years on it before the project was cancelled due to lack of funds. In 1520, he received another commission for a Medici chapel in the Basilica of San Lorenzo on which he worked intermittently for the next twenty years. During those two decades, he would also complete an architectural commission for the Laurentian Library.

After the sack of Rome by Charles V in 1527, Florence was declared a republic and stayed under siege until 1530. Having worked prior to the siege for the defense of Florence, Michelangelo feared for his life and fled back to Rome. Despite his support for the republic, he was welcomed by Pope Clement and given a new contract for the tomb of Pope Julius II. It was also during this time he was commissioned to paint the fresco of the Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel, a project that would take seven years.

Although a late bloomer relationship wise, at age 57, Michelangelo would establish the first of three notable friendships, sparking a prolific poetic output to add to his cadre of artistic talents. The first in 1532 was a 23-year-old Italian nobleman, Tommaso dei Cavalieri, who was not only the artist's young lover but remained a lifelong friend. The art historian, Howard Hibbard, quotes Michelangelo describing Tommaso as the "light of our century, paragon of all the world." The passionate affair provoked Michelangelo to produce a number of love poems so homoerotic in nature that his grandnephew, upon publishing the volume in 1623, changed the gender pronouns to disguise their homosexual context.

In 1536, Michelangelo found another lifelong object of affection, the widow, Vittoria Colonna, the Marquise of Pescara, who was also a poet. The majority of his prolific poetry is devoted to her, and his adoration continued until her death in 1547. He also gave her paintings and drawings, and one of the most beautiful to have survived is the black chalk drawing Pietà for Vittoria Colonna of 1546. She was the only woman who played a significant part in Michelangelo's life and their relationship is generally believed to have been platonic. During this period, he also worked on a number of architectural commissions including the Church of Santa Maria degli Angeli and the Sforza Chapel in the Basilica di Santa Maria Maggiore, as well as the Capitoline Hill. He also received commissions for two frescos in the Cappella Paolina the Conversion of St Paul, and the Crucifixion of St Peter.

In 1540, Michelangelo met Cecchino dei Bracci, son of a wealthy Florentine banker, at the Court of Pope Paul III, who was only 12 years old. The epitaphs Michelangelo wrote following Cecchino's death four years later reveal the extent of their relationship, suggesting they were lovers. In particular one, which includes the graphic allusion, "Do yet attest for him how gracious I was in bed. When he embraced, and in what the soul doth live."

Late Period

It was Pope Julius II who, in 1504, proposed demolishing the old St Peter's Basilica and replacing it with the "grandest building in Christendom." Although the design by Donato Bramante had been selected in 1505, and foundations lain the following year, not much progress had been made since. By the time Michelangelo reluctantly took over this project from his noted rival in 1546 he was in his seventies, stating, "I undertake this only for the love of God and in honor of the Apostle."

Michelangelo worked continuously throughout the rest of his life on the Basilica. His most important contribution to the project was his work upon the dome in the eastern end of the Basilica. He combined the design ideas of all the prior architects who had given input on the work, which imagined a large dome comparable to Brunelleschi's famous dome in Florence, and coalesced them with his own grand visions. Although the dome was not finished until after his death, the base on which the dome was to be placed was completed, which meant the design of the dome could not be altered significantly in its completion. Still the largest church in the world, it remains a testament to his genius and his devotion. He continued to sculpt but did so privately for personal pleasure rather than work. He completed a number of Pietàs в том числе Диспозиция (which he attempted to destroy), as well as his last, the Rondanini Pietà, on which he worked until the last weeks before his death.

It's been said that it takes 10,000 hours of deliberate practice to become world class in any field. Michelangelo epitomized this ideal as he started his career as a mere boy and continued working until his death at 88 years old.

His great love Tommaso remained with him until the end when Michelangelo died at home in Rome following a short illness in 1564. Per his wishes, his body was taken back to Florence and interred at the Basilica di Santa Croce.

The Legacy of Michelangelo

Along with Leonardo da Vinci and Raphael, Michelangelo is regarded as one of the three giants of the Renaissance, and a major contributor to the Humanist movement. Humanity, in both its relationship to the divine and non-secular reality was central to his painting and sculpture. He was a master at depicting the body with such technical accuracy that marble was seemingly transformed into flesh and bone. His adeptness with human emotionality and expression inspired humility and veneration. The psychological insight and physical realism in his work had never been portrayed with such intensity before. Его Пьета, Дэйвид, а Сикстинская капелла have been maintained and preserved and continue to draw crowds of visitors from all over the world. His lifetime achievements give credence to the title commonly bestowed to him of Il Divino (The Divine).

Michelangelo's influence on other artists was profound and has continued from Raphael in his time to Rubens, through to Bernini, and the last great sculptor to follow his tradition of realism, Rodin.

His fame, established when he was in his early twenties, has continued to our time. As for his genius look to Galileo, who claimed he was born a day earlier, to coincide with the day Michelangelo died, alluding to the assertion that genius never dies.


How Did Michelangelo Change the World?

Michelangelo changed the world by helping people view art and artists differently. His art was remarkable because of this, the world began to recognize artists and their art as important additions to society.

Prior to Michelangelo, artists did not receive individual attention or notoriety for their work. They were seen as nothing more than journeymen.

Michelangelo changed the world's opinion of artists through his extraordinary works of art. With groundbreaking art, he created some of the most revered pieces known to man his attention to detail made these works remarkable. Michelangelo was best known as a sculptor, and his infamous David, with lifelike characteristics carved in marble, is still considered a masterpiece. Other notable sculptures include Pieta, Moses, and Madonna and Child.

Michelangelo was not just a sculptor he was an important painter and prolific architect as well. His paintings are considered some of the world's greatest showpieces. These paintings include the elaborate and detailed Sistine Chapel ceiling, which includes various painted elements to form a large scheme within the Chapel. As an architect, he designed the final plans for the St. Peter's Cathedral in the Vatican.

His work is considered the beginning of the High Renaissance, a period of time where the world came to recognize and appreciate the value of visual arts.


Accomplishments

  • His early studies of classical Greek and Roman sculpture, coupled with a study of cadavers, led Michelangelo to become an expert at anatomy. The musculature of his bodies is so authentically precise that they've been said to breathe upon sight.
  • Michelangelo's dexterity with carving an entire sculpture from a single block of marble remains unparalleled. He once said, "I saw the angel in the marble and carved until I set him free." He was known as one who could conjure real life from stone.
  • The artist's feisty and tempestuous personality is legendary. He often abandoned projects midway through or played out his pride or defiance of conventionality through controversial means such as painting his own face on figures in his work, the faces of his enemies in mocking fashion, or unabashedly portraying sacred characters in the nude.
  • Michelangelo's most seminal pieces: the massive painting of the biblical narratives in the Sistine Chapel, the 17-foot tall testament to male perfection David, and the heartbreakingly genuine Pietà are considered some of the world's most genius works of art, drawing large numbers of tourists to this day.

Madonna of Bruges

В Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
ХудожникМикеланджело
Год1501–1504
ТипМрамор
Габаритные размеры200 cm (79 in)
Место нахожденияOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Координаты Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


The Creation of Adam, by Michelangelo

Of all the marvelous images that crowd the immense complex of the Sistine Ceiling, Сотворение Адама is undoubtedly the one which has most deeply impressed posterity. No wonder, for here we are given a single overwhelming vision of the sublimity of God and the potential nobility of man unprecedented and unrivaled in the entire history of visual art. No longer standing upon earth with closed eyes and mantle, the Lord floats through the heavens, His mantle widespread and bursting with angelic forms, and His calm gaze accompanying and reinforcing the movement of His mighty arm. He extends His forefinger, about to touch that of Adam, who reclines on the barren coast of earth, barely able as yet to lift his hand. The divine form is convex, explosive, paternal the human concave, receptive, and conspicuously impotent. The incipient, fecundating contact about to take place between the two index fingers has often been described as a spark or a current, a modern electrical metaphor doubtless foreign to the sixteenth century, but natural enough considering the river of life which seems about to flow into the waiting body.

Genesis tells how the Lord created Adam from the dust of the earth and breathed into his nostrils the breath of life. This story is never illustrated literally in Renaissance art. Usually, as in Jacopo della Quercia's beautiful relief on the facade of the church of San Petronio in Bologna, which must have impressed the young Michelangelo deeply, the Creator stands on earth and blesses the already formed body of Adam, read together with the ground, since his name in Hebrew means earth. Michelangelo's completely new image seems to symbolize a still further idea - the instillation of divine power in humanity, which took place at the Incarnation. Given Cardinal Vigerio's reiterated insistence on the doctrine of the two Adams, and the position of the scene immediately after the barrier to the sanctuary, at the spot where the Annunciation customarily appeared, and after Ezekiel with his vision of the Virgin Birth, this would seem natural enough. The scene recalls the famous verses from Isaiah, "Who hath believed our report ? and to whom is the arm of the Lord revealed ? For he shall grow up before him as a tender plant, and as a root out of a dry ground . . " invariably taken by theologians to foretell the Incarnation of Christ, shoot of Jesse's rod. Two striking visual elements make clear that this was one of the passages that actually recommended to Michelangelo by his probable adviser, Cardinal Vigerio. First, the mighty right arm of the Lord is revealed, naked as in no other of His appearances on the Sistine Ceiling, nor anywhere else, as far as I have been able to determine, in all of the Christian art prior to this time. (The left arm is clothed, at least to the elbow, by a white sleeve.) Second, directly under Adam, the arm of the veiled youth to the left above the Persian Sibyl projects into the scene - a matter that involved considerable advance planning - coming as close to touching Adam's thigh as the Creator does his finger. This hand holds a cornucopia bursting with Rovere leaves and acorns, appearing to grow from the dry ground, as full of potency as Adam ("ground") is empty of it. Such an image is characteristic not only of Michelangelo, who insofar as possible preferred to show male figures, including that of Christ, completely naked, but of the Roman High Renaissance and of Julius II himself, whose language as recorded by his astonished contemporaries overflows with boasts of his own physical strength and potency.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for Дэйвид. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

В Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

Дэйвид

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical контрапост stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of Дэйвид now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of Дэйвид was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of Дэйвид by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Мадонна. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his Дэйвид in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Лаокоон и его сыновья (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

Сотворение Адама

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Моисей

This grand epic sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of Дэйвид reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ is John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pieta.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pieta, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietas and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pieta in which Christ appeared asleep, through to his Осаждение, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


Смотреть видео: Микеланджело Буонарроти. Интересные факты. Биография, история жизни. (June 2022).


Комментарии:

  1. Zulkigal

    Это интересно. Не подскажете мне, где я могу об этом прочитать?

  2. Fektilar

    Кажется, он внимательно читает, но я не понимаю

  3. Garsone

    фраза замечательная и своевременная

  4. Devon

    Это полезно!

  5. Duong

    Ты питливи ум :)

  6. Mekonnen

    На мой взгляд, он не прав. Нам нужно обсудить. Пишите мне в личку, с вами разговаривает.

  7. Thurlow

    Совершенно верно! Мне нравится твоя идея. Предлагаю вынести на всеобщее обсуждение.



Напишите сообщение